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『Menuett/メヌエット』

中世～ルネサンス～バロック音楽などの古楽も好きなので、CDの購入や楽譜の取り寄せもしていますが、とくにバロック音楽の、それも初期の舞曲を組曲にしたのがお気に入りです。

この時代の舞曲には「メヌエット」「サラバンダ」「ジグ」「ブーレ」「ガヴォット」等を組み合わせて組曲で演奏、作曲されていますが中でも「メヌエット」が当時は人気があり、今聴いてもなんとも言いようのない美しさがあると思います。

がしかし、本当にメヌエットと呼ばれるこの舞曲をどこまで知っている、理解しているのか？と考えると「さて？」となりましたので初心に還って調べてみました。

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このバロック(ルネサンスは当時の社会的に地位の高い学者が銘々した社会運動の呼び方ですが、バロックは後世の学者が付けたもので、主に建築、絵画等の美術の様式用語で音楽用語ではなかった)と呼ばれる時代の宮廷音楽として舞曲は盛んに演奏され踊っていたのですが、もちろん一般庶民ではなくてその土地の上流階級、社会的に地位の高い…つまりお金持ちの人間が宮廷に招待されていました。

「〇月〇日〇時より〇〇の間で舞踏会を催すので招待します」とかの招待状が宮廷から来る上流階級の人間は栄誉でもあるのですが、ホントは王侯貴族によってその力を持っている土地の実力者が変な考えを持たないように常に監視する目的が主だったそうです。

と政治的な考えもあるのですが、このメヌエットは各舞曲の中でも一番難しい踊り(ステップ)だったようです。
当然招待された人間はこのステップを覚えて王の前で踊らなければなりません。
まして舞踏会に今までになかった「メヌエット」と呼ばれる舞曲が初めて演奏されると知らされると、必死になって踊りの先生を雇い舞踏会当日までに覚えなければ恥じをかきます。

メヌエットは17～18世紀の貴族社会においては優雅さの象徴でもあり、名前の由来は「pas menu/小さなステップ」から来ているそうです。
1670年頃のフランスはルイ14世の宮廷でリュリの音楽によって演奏され踊ったのが最初と言われています。
その後18世紀にはヨーロッパ中のどの宮廷でも一番人気のある舞曲となりました。

しかしこのメヌエットのステップは「毎日2時間のレッスンを続けて半年で踊れるようになれば天才」と言われるほどに難しい舞踊でもあったようです。

日本で有名な(TVで時々見る)明治維新後の西洋舞踏場である「鹿鳴館」では、この舞曲のステップがあまりにも難しくて演奏された(踊られた)記録はないそうです。

舞踏の形態は男女のペアのダンスで一組ずつがみんなの前で踊りを披露する様式で、一回の演奏時間も他の舞曲よりかなり長く、始まる前はこれに参加するために記帳までしたようです。

人前でも気に入った男女二人が堂々と長い時間を踊る事が出来るのがメヌエットなので人気爆発！

☆次回(覚えていたら)このメヌエットをより音楽的に詳しく解説予定!(は未定だ)

≪Brad/バラッド≫

ペンタングル、バート・ヤンシュ、ジョン・レンボーンそしてディヴィ・グレアム等の“ブリティッシュ・フォーク”の世界には“バラッド”と呼ぶジャンルの音楽があります。

ポップスやジャズ等には「〇〇のバラード」等のタイトルを付けた曲もありますが、このバラードとバラッドは関係はありません。“バラード”は叙情的…歌詞の内容や歌い方に哀愁、憂いを込めて情感たっぷりにゆったりと歌う曲…等の音楽ですが“バラッド”はその殆どが年代、作者不詳で民衆の間で口承により古くから伝わってその歌詞に物語性を持った“唄”…と言えます。

このバラッドの中にも“伝承バラッド…トラディショナル･バラッド”と“ブロードサイド・バラッド”に大きく二つに分けられます。この“ブロードサイド・バラッド”は英国のエリザベス一世が治世していた1558年～1603年頃のエリザベス朝時代に生まれたモノです。これは当時の市井に起きた事件、それもスキャンダラスな事件を街の歌作りが作り、その歌詞を印刷して売っていた言わばプロの唄になります。今のタブロイド版の新聞と似ていますが、ペンタングル等が歌っている多くは民間伝承による“トラディショナル・バラッド”です。

19世紀の後半にハーヴァード大学で言語学、中世文学、民間伝承を研究して来たフランシス・ジェイムズ・チャイルド教授が年月を費やしたバラッド305種類を5巻に編纂した書物を出版しました。
ここに掲載された305編の一篇毎に番号が付けられており、現在は各バラッドを「チャイルド・ナンバー〇〇番の…」と呼んでいます。

先のペンタングルの「クルエル・シスター」も“チャイルド・ナンバー10番の「二人姉妹」の別バージョン”等…といった言い方です。

こういったひとつのバラッドには別のバージョンが数種存在もします。これは口から口へと伝承されているうちに記憶違い…別のバラッドと混ざってしまったり、忘れた箇所を自分で補ったり、自分の考えを加えたりなどなど…で様々な亜種が伝わり、別のバラッドのメロディで歌っているものも多く、歌われる物語の決着が変化しているのもあります。その他にも歌詞の中に妖精や怪物、それに超常現象なども出て来るのが多くあるので、時代的にはキリスト教が成立以前から伝わった古いバラッドがあり有名なのは「スカボロ・フェア」等です。

音楽的には現在の一般的なポップス等にみられるようなＡメロ、Ｂメロ、サビ…のようなスタイルではなく、四行一連の詩の体裁を備え、この連形式がくり返され同じメロディを持つ音楽形式が多くみられます。
ようするに現在の音楽の主流のサビ“盛り上がるフレーズ”等はありません。

この事はバラッドの発生時期がかなり古い年代になると思われます。
歌われるメロディは現在の長調、短調の元になった“教会旋法/モード”で旋律が作られているようです。このグレゴリア聖歌にみられるモードで作られた音楽は、歌う場合にも普通に話す時の口の動き、大きな声で感情を込めて歌う音楽はまだ生まれていないので音階も1オクターブ内で収まる歌い方になります。
もちろん現在のような和音(コード)の概念もまだなかった時代です。

また物語の登場人物は感情表現や情感を表す言葉等を排し没個性的です。従ってバラッドを歌う者も歌詞に感情や情感を込めずに淡々と言わば聴く者に“伝える”歌い方が本来のバラッド歌手のスタイルだと言われています。

そして楽器での伴奏は出来る限り控えめ、出来ればア・カペラ(修道院内無伴奏歌)のスタイルと同じく楽器の伴奏なしで歌うのが一昔前までの英国での伝統でした。

しかし、バート・ヤンシュ、ディヴィ・グレアム、マーチン・カーシー等のギター等を伴奏楽器として前面に出すスタイルで歌う若きミュージシャンが出現し、それに続く多くの若いミュージシャンが現れ後に続きました。

(…なんとかまとまった…かな？)


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＊ウィキリークスのUFO情報はまだ？

＊アメリカTVドラマにハマっているんですが「レバレッジ」がおもしろいですな。
登場人物は元保険金詐欺の調査員のネイサンをリーダーに、あらゆるセキュリティ・システムを突破する運動神経抜群のパーカー、銃器や兵器に精通し武術に秀でたエリオット、コンピュータに精通しているアレックス、本業の舞台では超二流だが実社会では本領発揮の女優のソフィーらの5人のメンバーが巨大な悪徳企業を退治する…ブラピが出ていた劇場映画の「オーシャンズ11」のTV版といった内容。ただリーダー役のネイサンは名優ティモシー・ハットンなので毎回見応えのあるエピソードになっておりわたくしのお気に入りドラマになりそうで、毎回一話完結でコメディ要素も随所にありおもしろいドラマです。

＊あと二十日程で2010年も終わって2011年に突入。
子供の頃は「2000年」はSF映画のように“空飛ぶ車”“誰でも宇宙旅行”“動く歩道”等などの世界だ！とみんなが考えていましたが…。

ま、昔に思い浮かべた未来のマシーンに近いのはiPadくらいですな。指で触って画像が思い通りに動ちゅうやつ。

＊いまバッハのリュートのための曲をギターにアレンジしているのですが…難しい！
ギターでは演奏不可能な箇所を演奏出来るように編曲するのですがなんでもいい、ってわけでもないので勉強中。

『聖書』

ここでの「聖書」とはもちろんキリスト教のあの「聖書」のことです。

僕自身はキリスト教の信者…クリスチャンや仏教徒でもありません。だからと言って神も仏も信じない無神論者とまでも考えた事はありませんが。家の窓のガラスにキリストの像が浮かび上がった、とかの“奇跡”やその類の現象には興味を惹かれますが。

音楽の最古の源流は「グレゴリア聖歌」と呼ばれる6世紀頃に成立した神(イエス・キリスト)への祈りの音楽です。
ユダヤ教から派生したキリスト教の毎日の聖務日課の中にある祈りなのですが、音楽の歴史ではキリスト教が大きく関係しています。

と言う事で、なんせキリスト教の信者数は世界中で約20億人(日本国内はかなり少なく260万人)もいるのですから少し知っておきたいと思い、まず「聖書」とは何？が浮かびました。

そこで、映画やドラマの中にもよく出て来るこのキリスト教の聖書には「旧約聖書」と「新約聖書」の二つを聞いた事はありますが、じゃあ、この二つの聖書の違いは何？

「旧約聖書」は恐らくかなり昔にもともとラテン語等で書かれたのをわかりやすい英語等に訳し、それをもっと現在の言葉に訳しなおしたのが「新約聖書」とか勝手に思っている人が多いのがわかりました。
ようするに元は同じ聖書を2度訳した…と。

間違いです。本当は僕もこんな思いを持っていましたが。あほです。

「旧約聖書」はイエス以前のイスラエルの神話や歴史、詩歌、予言等の様々な口頭伝承が記され、「新約聖書」はイエスの生涯が記された書物です。

ユダヤ教は主に「旧約」を聖書としています。
これは未だにメシヤ(救世主)は現れていない、ですからイエスを救世主とは認めていません。

この両方の聖書も誰か1人が書いた本ではなくて何人もの使徒達が後年に書いたのをまとめた内容です。

僕もこれからもう少し勉強しようよいろいろと読んでいますが、キリスト教を信仰していなくても聖書に書かれている内容は興味があります。


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＊ラジオで衆議院の予算委員会を聞いています。ようするに国民から集めた税金の使い道を決めるために与野党の質疑応答底抜け脱線劇場なのですが、まあよくも予算と関係のない事で盛り上がるモンです。

＊しかしあれほど期待され圧倒的に選挙で勝った民主党ですが今は風前の灯。それに毎日極悪な事件も頻繁に起きているし、大丈夫かこの国は？と思いますがそれじゃあ何かしているのか？と言われると…。文句ばっかり言うのも考えモンじゃ。

作曲の続きをしょ。

「わざ言語」

レッスンでのアドバイスは主に、＊その音は指を離さず音を残し、次の音と重ねる・・・＊リズムをキープ・・・＊もっとクリアな音を出す・・・等など具体的なアドバイスがやはり多くなります。

これが歌なら、＊この言葉にもっと感情を込めて・・・＊別れた恋人を想って・・・とか「その音はもっと高く」などの具体的なアドバイスも在ると思います。

もちろんギターのインスト・チューンでも＊この音はもっと哀愁を漂わせて弾く・・・等の言い方もありますが、これらはレッスン上でのアドバイス。

ではオーケストラを指揮をする指揮者はどのような言葉を用いているのか？もちろん「この楽章からテンポを上げて」「この休符の長さはたっぷりとる」「もっともっと強く音を出して欲しい」と具体的な指示もありますが、曲想や情感においても「こう弾いて欲しい」と“指揮”します。その時に使う言葉が大変おもしろくて興味があります。

＊「ここではヨーロッパ北部の古い街並みを風に乗った鳥が見ている・・・俯瞰で音を出して下さい」＊「40度くらいの熱で、ヴィヴラートを思い切りかけて」＊「おしゃべりな婆さん達が口論している調子で」＊「いきなり握手するのでなく、まず相手の産毛に触れてから肌に到達する感じで」＊「ここではもっと喜びを爆発させて、ただし狩人ではなく猟犬の歓喜を」以上は実際に指揮者がリハーサルでオーケストラの団員に放った言葉で、このような言葉を「わざ言語」と称します。

それにしてもなんとなく理解出来るのもありますが、これを聞いて「わかりました。そのように弾きます」と指揮者の意図を理解してその音が出せる・・・のがすごい、と思う。

『イネガルの演奏技法』

18世紀前半から後半にかけてロココ様式が一世を風靡していた頃の、フランスの音楽
作品には譜面通りに演奏してはいけない場合が多いそうです。

踊る太陽王ルイ14世のもとで活躍していたクラヴサンの名手フランソワ・クープランが
1716年に出版した教則本『クラヴサン奏法』に、　

　　　「我々フランス人は演奏通りに記譜しない。
　　　外国人がフランスの音楽を演奏する場合、我々が外国の音楽を演奏するほど
　　　にうまく演奏出来ない理由はそのためである。
　　　これに対してイタリア人たちは、頭に浮かんだそのままをそっくり楽譜に写す」

と説明している一文があるそうです。
もともとバロック期時代には装飾音等は演奏者が自由に即興的に演奏するのが常識で
あるのが一般的ですが、これらとは別に『イネガル』と呼ぶ演奏技法もありました。

この『イネガル』は『不均等』の意味で、
　　　「8分音符の連続が音階的に動く時は、付点音符のようなリズムで演奏する。
　　　しかし楽譜には全て同じ音価の音符を記譜する」
と説明されているそうです。

この演奏技法はジャズにかなり似ていると思われます。
フレーズ上で8分音符が続く時にイーブンで弾くのでなくてシャッフルに近く、少し跳ねる
リズムで演奏する。ただしあくまでも「8分音符が音階的に動く」パッセージの時にですが、
音符のひとつ置きにアクセントを付けてテヌート気味に弾くと自然に付点リズム風な演奏に
なりこれを「イネガル」と呼ぶ演奏技法です。

このような演奏が17世紀中頃から18世紀にかけて一般に行われていたそうです。


＊僕の敬愛する金澤正剛氏の“古楽のすすめ”から参照させていただいています。
＊『ロココ様式』とは、美術等にも使われている様式名で「ロカイユ」…“岩”が語源です。
　　音楽的には装飾音符を多用して軽快、優美、繊細な様式でバロック後期から古典派
　　まで続き、『ギャラント』様式の別名もあります。
　

『Ｇ線上のアリア』の美しさ

『Ｇ線上のアリア』

数ある名曲の中でも究極の美しい旋律を持つバッハの『Ｇ線上のアリア』。

もともとドイツのヴァイオリニストのオーギュスト・ウィルヘルミ（１８４５－１９０８）がバッハの≪管弦楽組曲第３番≫の第二楽章の一曲であるこの曲をヴァイオリンとピアノのために編曲した時、ヴァイオリンの独奏用に「Ｇ線上の」と注釈標題をつけた曲で、クラシックや古楽に馴染みのない方でも聞き覚えのある有名な曲だと思います（ところで“アリア”とはオペラの中でそれまで進行していた劇や出演者の合唱等が一時停滞して、多くは主人公が独りで切実に心情を歌い上げる、言うなれば“見せ場”での歌/音楽の事です）。

先日、何年か振りに大阪フィルハーモニー交響楽団の団員のＭ先生と会う機会にめぐまれました。この紳士で老齢の音楽家とは数十年前にある劇団の音楽を僕が担当した時にお世話になった方なのですが、この時に「どうして“Ｇ線上のアリア”があんなに美しい旋律なのでしょうか？」と漠然と尋ねてしまいました。

先生曰く『繰り返し現れる掛留音（けいりゅうおん）によって生まれる美しさ･･･だと思うよ』と。もちろんこれだけで僕が「なるほど、そういう事だったのですか！」と簡単には到底理解は出来ませんが。

[掛留音]とは例えば、ギターなどのコードで「Ｃ」のコード（和音）は「ド・ミ・ソ」の集まりで、このコードが鳴っている時に「ド～レ～ミ～ファ～ソ～」のメロディがあるすれば「レとファ」は「非和声音」と呼びます。

つまり「和声構成音」以外の和音外音が「非和声音」で[掛留音]はその一種で少し特殊な役割を持っています。

ギター等の弾語りのコード進行でよく出て来る「Dsus4（Ｄサス・フォー）」等で、このコードが現れると次に進むコードはほぼ「sus4」の取れた、この例なら「Dsus4」→「D」に一般的に進みます。

この「sus4」の音が[掛留音]でこの場合は「サスペンデッド４ｔｈ音」で「長３度音が完全４度音へ変化した音」で「Ｃ」の場合はミがファ、「Ｄ」ではファ#がソになります。

この流れを…「Dsus4」→「D」を聴くと「Ｄ」コードがすごく落ち着いた感覚に聴こえますが、もちろんベースになる音や旋律の上声部以外の旋律にもこの音を使います。

横道にそれましたが、この[掛留音]が繰り返し現れ美しい旋律を醸し出しているのが『Ｇ線上のアリア』だそうです。

と言う事なのですが、たったこれだけの事でこの曲の美しさを説明出来るのがなんかスゴイし、逆にこれだけの説明では僕には完全に理解出来ないので、まだまだ勉強せにゃあかん、と身に染みました。

ちなみに初心者用にアレンジしたこの曲のギターソロの譜面があるのですが、やはりサスティーンの問題なのか、今ひとつ美しさが表現出来ないように感じます。

モーツアルトが生きた時代の旅

幼い我が子にただならぬ音楽的才能を見出した父レオポルドが齢５歳になる息子モーツアルトと

初めての旅に出たのは１７６２年の１月１２日の寒い冬の日。

生まれ育ったザルツブルクから２４日間をかけてミュウヘンへのバイエルン選帝侯マクシミリアン三世へ

の接見(売込み) と、各地で高名な音楽家に音楽理論、作曲論等を息子モーツアルトに学ばせる

ためであるが、この先も続く父と姉ナンネル（マリア・アンナ）、母との家族での旅の最終目的は息子

モーツアルトが大国の宮廷で楽長の座の地位を得て将来においてモーツアルト家の生活の安定の

ためであると云われています。

しかしこの天才アマデウス・モーツアルトの生きた３５年１０ヶ月と９日の生涯で１０年２ヶ月と８日にも

及ぶ長い旅にもかかわらずこの夢は残念ながら叶いませんでした。

これはモーツアルトの人生の２８．４％を旅した事になるのですが、１８世紀当時の「旅」は今のこの時

代からはなかなか想像出来ない過酷なものだったと思います。

現在、旅行に出かけるとすれば、まず旅行会社などのカウンターで旅先のパンフレットをもらって参考に

するか、ネットで検索して行きたい目的地を決めて宿泊先の旅館やホテルの予約を取り、自分で車を

運転するならカーナビなどで道順などを前もって知る事も可能だし、バスや電車、船、飛行機などの交

通機関を利用ならチケットも簡単に購入出来る便利な時代です。

それではモーツアルトの生きた時代では具体的にどのような「旅」だったのでしょうか？

モーツアルトの家系には音楽家はいなくて父レオポルトが突然変異のように現れました。

もともとの家業は製本業を営む職人の家系だったがこのレオポルトは幼い頃より秀才の誉れが高く、

物心がついた年齢に達すると今より良い暮らしをするために優秀な成績で大学に入学し（成績優秀

なために授業料の三分の二を特典で免除された）将来において地位のある仕事に就く考えであった

ようです。

しかし封建社会の中で身分世襲制の貴族でもない限り行く末は知れたものだと悟り、家柄など関係

のない実力があれば出世可能な宮廷の楽師の職に将来を見出しました。

レオポルトはヴァイオリンの名手でもあったのですが音楽理論、作曲論、演奏法等これらを誰かについて

学んだ記録は見当たらず全て独学で習得したようです。

やがて大学を自主退学しザルツブルグ宮廷楽団の副楽長の地位の職を得た後には１８世紀の三大教

則本と評される『ヴァイオリン基本教程試論』をも著しており、このモーツアルトの父レオポルトもただならぬ

音楽の才能の持主であったと思われます。

では話を戻してこのモーツアルト親子の実際の旅ですが、

まず近隣諸国の王侯貴族に幼子モーツアルトの卓越した演奏を目の前で披露させ名前を売ることから

始まるのですが、一介の楽師であるこの親子がいきなりその地の宮廷を尋ねて接見を申し出ても会うは

ずがありません（ザルツブルグ宮廷楽団の副楽長であっても身分的には決して高くはなく、また他の王侯

貴族からは他人の使用人くらいにしか見られなかったようです）。

そこで『紹介状』を地位のある人物に書いてもらいそれを携えて旅に出るのですが、この『紹介状』を書い

てもらうために多くのお金が必要であったそうです。

そしてその前に地位の高い人物なら誰彼なく会えればいいのではなく、宮廷に楽師を持ちそして音楽にも

深い造詣と理解ある人物は誰か、そういった情報を集めるのにも大変であったはずです。

いよいよ訪問先の王侯貴族も決まり『紹介状』も準備出来たとして次は移動手段なのですが、座席を

持ち人が乗れる馬車を所有しているのは裕福な王侯貴族のみで、この時代の庶民の移動手段は徒歩

か荷馬車に便乗しかなくモーツアルト家族もこの方法です。

この時代の「荷馬車」は近隣の国中を定期的に手紙などの郵便物と商人間の荷物の運送と４人ほど

ならなんとか乗れる民間業者の定期便の馬車で、西部劇によく出て来る駅馬車か今なら宅配便トラック

に近いと云われています。

ただし乗り心地においては最悪でクッションのない硬い木の箱に座っている感覚。そして舗装されていない

当時の悪路を何日も乗り続け、また夜中の森や山道では盗賊に会えば殺される危険も大きく、現在では

想像もつかないほど大変なものだったと思われます。

そして目的地までの旅の途中で泊まる宿。

もちろん現在のように前もって宿の手配なんて出来ないし「２階の何号室にお泊り」のような個別な部屋

ではなく他の旅人との相部屋が常識で、トイレも洗面所も共同で使用するのが当たり前で、姉や母親など

女性にはさぞ辛いことだったと思います。

しかしもっとも恐れることは、水や食べ物に起因する衛生状態の悪さで、この時代は悪疫が常に流行

しており旅先でもし病気にでもなれば死を覚悟しなければならない状況でもあり、実際にモーツアルトは

６歳から１６歳までに天然痘、リューマチ熱、腸チフス、A型肝炎などを患いながらも奇跡的に生き延びたのです。

そしてこれらの疾患が原因なのか、彼が成人の年齢に達した時の体格は発育不足でもあったようです。

１７５６年１月２７日に生を享けたモーツアルトは７人兄弟の末っ子。五つ違いの１７５１年生まれの

三女ナンネルのふたりを除いて他の五人の兄弟は生後まもなく他界。そして、やはり人並み以上に音楽の

才能を持っていた姉ナンネルの奏でるクラヴィーア（ピアノの前身）の横で３歳になったモーツアルトは自分の

小さな手で奏でる３度と６度の響きに恍惚の表情を浮かべていた・・・。

（中野　雄著『モーツアルト　天才の秘密』を参照させていただいています）

「メトロノーム」の誕生

曲の速度を知るのに便利なメトロノームですが、それまで演奏する曲の速さ…つまり作曲者の意図する速さを「速度記号」で表していました。＊Allegro/アレグロ・・・“快速に”　Andante/アンダンテ・・・“歩行の早さで”　＊Lento/レント・・・“遅く”＊Largo/ラルゴ・・・“幅広く”など等他にもまだまだありますが、それにLargo/ラルゴの“幅広く”なんて速度を表すより曲の演奏表現になると思います。それにこういった速度記号の真ん中あたりになるModerato/モデラートは“中唐（ちゅうよう）の速さで”といった意味ですが、これではたしてどのような速さなのかわかるでしょうか？

もともとこのModeratoの“中庸の速さで”は「人間の鼓動」の、つまり心臓の動きの速さかららしいです。でもこれでもあまり具体的ではないと思います。

もともとルネサンス～バロック期で演奏される時、その曲の作曲者自らが演奏するか作曲者が立ち会って演奏されていたので作曲者自身が速さを指示していたので間違いはありませんでした。がしかし、時代が進み現在と同じくすでに亡くなった音楽家の作品や名声のある音楽家の曲を他人が楽譜を見て演奏する機会が増えて行きます。

その時にも作曲者が書いた楽譜には「アレグロ・マ・ノン」等の演奏速度の指定が記してあるのですが、この「アレグロ・マ・ノン」は“Allegro、つまり快速で、しかしあまり速すぎず”の意味です。これで作曲者の意図する正しい速度が果たして理解出来るのか少し疑問です。

ベートーヴェンは他人に演奏される時の曲の速さがいいかげなのが多くて困っていたそうです。そこで同じウィーンに住んでいたヨハン・ネポムク・メルツェルという友人が1816年に正確な速さが具体的にわかるメトロノームを発明してベートーヴェンに進呈して最初にメトロノームの恩恵を受けたのが偉大なる音楽家のベートーヴェンだといわれています。

楽譜の最初のの左上に表示している「♪=120」などがメトロノームで正確にわかることが出来ます。この「♪=120」では「♪/8分音符」のひとつの速さが0.5秒になります。4分音符（記号が出ない…）=60と同じで、つまり1分間に♪/8分音符が120回打つ速さになり4分音符なら60回打つ速さです。こういった数字なら感覚的に理解しやすいですが「84」や「136」といった数字になると分かりにくいですよね。

ベートーヴェンはこの友人の発明したメトロノームでそれまで記していた速度記号から具体的な「♪=120」等の表示をれまで作曲した各楽譜にあらためて記したとあります。

といってもヴァイオリン等の個人練習ではメトロノームに合わせても実際の演奏ではこれを使わないので完璧にこの速さで演奏しているわけではなく、特にクラシックでのオーケストラでは演奏時の指揮者の感性やその曲の解釈より左右されているようです。
だから演奏される曲に各指揮者の個性が表れて楽しいと思います。

ウト・レ・ミ… 「ドレミ…の誕生」

ド･レ･ミ･ファ…の音名の名前はいつ頃誰が考えたのか？を講師仲間に問うと、
「…確かなんか曲の歌詞からでしょう？」と中途半端な答えが返って来ます。
まあ、音楽を楽しむのに誰がドレミと言う読み方を考えたはあまり重要ではない
と思いますが、何でも知りたがりの僕にはガマン出来ないので詳しく調べたのが
約10年程前。忘れんうちにここに残しておきます。

各音符にドレミ…と名前を付ければ便利だと考えた人は、11世紀の前半、中部
イタリア地方の修道士グイド・ダレッツオと伝えられています。

たいていの人は好きな曲が歌えると思いますが、これは音符のひとつひとつに歌詞の
シラブルが付いているので意識しないでもメロディも歌詞と一緒に覚えているからです。
ド・レ・ミ…と呼ぶ前にも「メセー」「リカノス・メソン」「パラネーテー・ヒュペルボライオン」等
と学術的に各音の名称はあったのですが大変不便です。
そこでグイドさんが、各音にもっと実用的な簡単な名称がないものか、と思案していると、
修道院でパプテスマ聖ヨハネの誕生を祝う祝日の挽歌、つまり日没の祈りに歌われる賛
歌「Ut queant laxis」の詩（歌詞）の各節の冒頭の言葉の音がひとつひとつ高くなっている
のに気が付きました。
                           Ut queant laxis
                                                          resonare  fibris
                          Mira gestorum
                                                          famuli tuorum
                         Solve polluti
                                                          labii reatuem
                         Sancte Ioannes.

これでわかるように 各節の最初の言葉の冒頭のアルファベッドから
Ut･･･ウト、re・・・レ、Mi・・・ミ、fa・・・ファ、So・・・ソ、la・・・ラと付ける事が出来ました。

ここでふたつ気が付いたと思いますが、「ド」でなくて「ウト」が最初の音名です。
それとウト（ド）・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・・・までで「シ」がありません。この賛歌「Ut queant
laxis」にもうひとつ高い音が続いていれば「シ」も加えて７音全てが揃ったのですが、
残念ながら最後の「Sancte Ioannes」の「Sa」の音は都合よくひとつ上の音ではなか
ったのです。
もしそうであったならウト（ド）・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・サ・ウト（ド）になったかもわかりません。

もちろんこの時代には「ラ」のひとつ上の「シ」の音も実際に使っていて、１オクターブ　
は８個の音だと知っています（ド・レ・ミ・ファ・ソ・ラ・シ・ド）。
ただ「シ」と呼ぶシラブル･･･音名はしばらくはありませんでした。

ではこの「シ」をどうしていたのか？というと、
　　ウト－レ－ミ－ファ－ソ－ラ
　　　　　　　　　　　　　　　↓
　　　　　　　　　　　　　　ウト－レ－ミ－ファ－ソ
といったように最初のウト（ド）から上がってソ音からウト（ド）と読み替えていました。
つまりウト（ド）・レ・ミ・ファ・ソ（ウト）・レ・ミ・ファ・ソ…というように今の「移動ド」です。

しかし名前は付いていないけどもうひとつ高い別の音があるのは知っているので、
なんとかこれにも名前を、と考えるのが自然です。

あとひとつ「シ」の誕生と、「ウト」が「ド」の呼び方に変ったのも理由があります。

次回を待て。

(4) ５度サイクル

で、
「完全５度」をくり返して他の協和音を導きだします。
わかり易く１度をC/ドとします。もちろん前回にも書きましたが、この時代では
“１度”や“５度”等の数字や“C/ド”などと呼んでいたわけではありません。
数字やド、レ…はもっと後の時代に考えられます。

①C/ド→完全５度上→G/ソ
②G/ソ→完全５度上→D/レ
③D/レ→完全５度上→A/ラ
④A/ラ→完全５度上→E/ミ
⑤E/ミ→完全５度上→B/シ
⑥B/シ→完全５度上→F#/ファ#
・・・ここでF/ファの半音高いF#/ファ#というように＃が付きましたが、その理由は
完全５度は、例えばC/ドを１度とした場合に５度上のG/ソ（①C・②D・③E④F・⑤G）
が導かれますが、このCと５度上のGの間には全音や半音を合わせて3.5の開き
があります。
つまりC/ドから２度上のD/レの間にはC/ドの半音高いC#/ドのシャープもしくはレの
半音低いＤｂ/レのフラットがあります。ピアノでは二つの白鍵の間に黒鍵がこれにあ
たる音で、C#/ドのシャープとDｂ/レのフラットは同じ音になります。名前は違うけど同じ
音を「異音同名/エンハーモニクス」とも呼んでいます。
上のＢ/シから完全5度上の音はＦ#/ファ#とシャープが付くのは、
１/Ｂ－２/Ｃ－３/Ｄ－４/Ｅ－５/Ｆと音名はＦですが、
・（Ｂ/シ）－（Ｃ/ド）・・・この間に音（黒鍵）はないので音程は半音/0.5
・（Ｃ/ド）－Ｃ#/ド#－（Ｄ/レ）・・・半音は２個なので0.5×２で全音/1.0
・（Ｄ/レ）－Ｄ#/レ#－（Ｅ/ミ）・・・半音は２個なので0.5×２で全音/1.0
・（Ｅ/ミ）－（Ｆ/ファ）・・・この間に音（黒鍵）はないので音程は半音/0.5
ここまでで（Ｂ）から数えて5番目は（Ｆ）になりますが全ての全音/1.0と半音/0.5を
合わせると3.0で0.5足りません・・・半音低いと考えます。
そこで完全5度の音程の3.5にするために半音広げます・・・半音高くするために
＃を付けます。すると（Ｅ/ミ）－Ｆ/ファ－（Ｆ#/ファ#）というようになり3.5に広がります。

それと「Ｆ#/ファ#」は先程の異音同名で「Ｇｂ/ソのフラット」と同じ音になります。
これも大事な事で、ファの半音高いファ#とソの半音低いソｂは鍵盤上では同じ場所です。
しかし同じ音なのだからどちらの読み方でも良いわけではありません。
その事については後日に。

では続きを…
⑦F#/ファ#（＝Ｇｂ/ソｂ）→完全５度上→Ｃ#/ド#（＝Ｄｂ/レｂ）
⑧Ｃ#/ド#（＝Ｄｂ/レｂ）→完全５度上→Ｇ#/ソ#（＝Ａｂ/ラｂ）
⑨Ｇ#/ソ#（＝Ａｂ/ラｂ）→完全５度上→Ｄ#/レ#（＝Ｅｂ/ミｂ）
⑩Ｄ#/レ#（＝Ｅｂ/ミｂ）→完全５度上→Ａ#/ラ#（＝Ｂｂ/シｂ）
⑪Ａ#/ラ#（＝Ｂｂ/シｂ）→完全５度上→Ｅ#/ミ#（＝Ｆ/ファ）
⑫Ｅ#/ミ#（＝Ｆ/ファ）→完全５度上→Ｂ#/シ#（＝Ｃ/ド）
と完全５度を12回繰り返した後に再びＣが出て来るのでこの先をくり返す必要がないので
１２個の音が見つかったところで終わりにします。
ただこの完全５度を１２回くり返した場合は７オクターブにも広がるので全ての音を１オクターブに
入れて並べると、
①Ｃ－②Ｃ#－③Ｄ‐④Ｄ#－⑤Ｅ－⑥Ｆ－⑦Ｆ#－⑧Ｇ－⑨Ｇ#－⑩Ａ－⑪Ａ#－⑫Ｂ
①ド‐②ド#－③レ‐④レ#－⑤ミ‐⑥ファ‐⑦ファ#－⑧ソ‐⑨ソ#－⑩ラ‐⑪ラ#－⑫シ

この方法で無事にめでたく御馴染みの音階が完成したように思うのですが、
実は困ったことになっていたのです。

しゆあげいん