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「音楽用語」②

前回の続きですが、「アコーギグ」と言う用語は語感がなぜか印象的です。

「アコースティック」はその他には“自然倍音を発生する”の意味も含まれています。

≪音楽用語続き≫
＊カプリッチョ/capriccio(伊)：17世紀のフーガ風の鍵盤音楽でバッハ作品にも数曲あるが19世紀になると″気まぐれな性格の小品"といった意味に変化。　よけいに意味がわからん。

＊ゲネラルパウゼ/generalpause(独)：いかにもドイツぽくてとげとげしい響きのこの用語の意味は″全体の休止”。オーケストラ等の演奏で全声部･･･つまり全ての楽器の演奏が同時に休む事。

＊サラバンド/saraband(英)：バッハ以外にもヘンデルでも有名な17、18世紀にヨーロッパで大流行したゆるやかな三拍子の舞曲。主に男性の舞が中心で露骨な性的な振りが表現されたので国によっては禁止令も出ました。18世紀になると2拍目に長い音符を置くように変化。

このサラバンダはギターでも多く編曲されていますがどなたの作品もよく似ていてバッハとヘンデルの違いがよくわかりません。

＊シャコンヌ/chaconne：(仏)：ゆるやかな3拍子の舞曲。一定の和音進行で展開される変奏曲。
有名な曲ではバッハの『無伴奏バイオリンのためのパルティータ第2番(BWV1004)』です。

この「パルティータ」とは違った国や違った時代の舞曲を組曲として書かれた作品の事でやはりバッハが多くの作品を遺しています。

≪続く！≫のか？

-----------------広岡祐一/2012年11月12日･記--------------------

「音楽用語」

バッハやヘンデル等の古楽曲をギターに編曲をし始めた頃、なんとなく言葉は知っているけど本来の意味を知らない用語や全く聞き慣れない音楽用語が多く出て来ました。

ルネサンス音楽やバロック音楽等の古楽に使われる用語はクラシック音楽に出てくる全く同じ発音でスペルも同じ単語でもその意味が違うのも多くあります。

あっとその前に、
「古楽」は“アーリー・ミュージック”と呼ぶジャンルで古典派等のモーツアルト～ロマン派等のベートーヴェンの音楽は“クラシック”と一応区別をしています。

では、僕が印象に残った音楽用語を書くと、

＊アゴーギグ/agogik(独)：テンポに微妙な変化をつけて音楽に精彩を与えること。

＊アコースティック/acoustic(英)：もとは音響学の用語で直接に音楽には関係なかった用語で、一般には楽器の音が電気的に増幅されていない音、の意味。

＊オラトリオ/aratorio(伊)：宗教的道徳的内容の歌詞を持つ叙情的な音楽作品。主に教会内で独唱、合唱、オーケストラなども使用するがオペラのように舞台衣装、舞台装置、演技を有しない物語を歌う音楽でバッハ作品で有名。

＊ガヴォット/gavotte(英、仏)17世紀フランス発祥の2/2拍子の舞曲。

＊カンタータ/cantata(伊、独、英)バロック音楽で独唱、重唱、合唱を用いた多楽章形式の曲。歌われる歌詞の内容によって「教会カンタータ」と「世俗カンタータ」に大別されやはりバッハの作品が秀逸。

＊コラール/chorale(英)ルター派のドイツ・プロテスタント教会で歌われる賛美歌で歌詞もドイツ語。中世の時代で歌われていたキリスト教(カトリック)の賛美歌は一般の庶民には意味不明、理解不能のラテン語で歌われていたが、これに対してわかりやすい言葉に置換えている。

≪続く！≫　のか？

もっとおもしろそうな用語が多くあるけど次回に。

---------------------広岡祐一/2012年11月11日･記----------------------------

4/6付産経新聞朝刊より「賢者に学ぶ」

6日の産経新聞朝刊に哲学者の適菜　収(てきな　おさむ)氏のコラム“「B層」グルメに群がる人”を読んで感じるものがありました。

サンケイ新聞のサイトから簡単に引用出来るのですが、僕の書くこの拙稚のブログはサポートしていなかったのでそのまま載せます。

-----引用開始--------------------------------------------------------------
「賢者に学ぶ」　哲学者：適菜　収(てきな　おさむ)
　　　　
～「B層」グルメに群がる人～
先日国内最大規模のグルメサイト「食べログ」で、ランキングの不正操作が明らかになった。
複数の業者が特定の飲食店に対して好意的な口コミを投稿して報酬を得ていたのだ。

こうした消費者に宣伝と気づかれないような宣伝行為を「ステルスマーケティング」という。
これに対し「消費者の信頼を裏切るあるまじき行為だ」などと批判の声が上がったが、ナイーブすぎるのではないか。

わざわざ業者に依頼しなくても、店の関係者が自作自演でランキングを吊り上げているケースもある。
その結果、地元住民が首を傾げるような店に、ある日突然行列ができたりする。
インターネットの構造上、こうした問題は常に起こりうるはずだ。

しかしもっと大きな前提がある。
それは、口コミサイトの評論は「料理について細かい論評を述べたい人たち」「携帯電話で料理の写真を撮ることをためらわない人たち」が下した判断にすぎないということだ。

スペインの哲学者オルテガ・イ・ガセット(1883～1956年)は、大衆を「凡庸であることを自覚すつつ、凡庸たることの権利を主張」し、圧倒的な自信の下、浅薄な価値観を社会に押し付けようとする存在と規定した。

彼らは「コストパフォーマンス」といった一面的な基準を振り回し、一流の店を貶め、三流の店を持ち上げる。
その結果、きちんとプロの仕事する鮨屋(すしや)が低い点数をつけられ、ロクでもない鮨屋(その実態は単なる海鮮居酒屋)が高得点をとるようになってきた。

こうした状況の中、隆盛を極めているのが≪B層グルメ≫である。
≪B層グルメ≫とは、平成17年の郵政選挙の際、内閣府から依頼された広告会社が作った概念で「マスメディアに踊らされた知的弱者」を指す。

彼らがこよなく愛し、行列をつくる店が≪B層グルメ≫だ。

いわゆる≪B級グルメ≫が「安くて旨いもの」であるのに対し、≪B層グルメ≫は必ずしも安いわけでも旨いわけでもない。しかし、≪B層≫は誘蛾(ゆうが)灯のように引き寄せられていく。

なぜなら≪B層グルメ≫は、行動心理学から動物学まで最新の知見を駆使し、≪B層≫の趣味嗜好・行動パターンを分析した上でつくられているからだ。

店の立地、席の配置、照明の角度がマーケティングにより決定され、さらに「産地直送」「期間限定」「有機栽培」「長期熟成」「秘伝」「匠の技」といった≪B層≫の琴線に触れるキーワードが組み合わされていく。

こうして、日本全国、駅前からデパートのグルメアーケードまで、同じようなチェーン店が並ぶようになってしまった。

「豚骨と鶏ガラ、魚介、30種類の野菜を3日間煮込んでスープをつくりました」みたいな闇鍋系ラーメン屋もこれにあたる。

「これが私の作品です」と一端の料理人のような顔をしている素人が増えている。

これはグルメだけの話ではない。
社会全体にB層的価値が蔓延し、それを資本が増幅させている。
その結果、
一流と三流、玄人と素人、あらゆる境界が失われてしまった。

こうした社会では素人が暴走する。

≪B層グルメ≫に行列をつくるような人々が「行列ができるタレント弁護士」を政界に送り込んだのもその一例ではないか。

(てきな　おさむ)

-----引用終わり---------------------------------------------------------------

といった記事です。

これを読んで、決して食べ物だけの≪B層≫の話ではないな…と感じました。


---------------　広岡祐一/2012年4月6日記　-------------------------

「転調」

J.S.Bachの曲をギター1本にアレンジし始めて90曲を超えて来ました。

もちろん僕の好きなように…ギターで弾けるポジションへの変更等…編曲しているので“間違った”編曲になっているのも多いとは思いますが、まあ、自分のスキルを上げるため、ギタリストが好まない、避けたくなる運指等の指使いも多く出て来るのですが、それが意外な効果的な響きも得られおもしろい！

で、Bachの曲を弾いていてよく思うのは“いつのまにか転調”している、です。

この「転調」を簡単に説明すると主調・・・例えばCメジャー(ハ長調)で始めた曲がAm(イ短調)に調が移る、またはFメジャー(ヘ長調)へ…等でクラシック音楽以外にも多く使われる音楽書法です。

Bachの有名な曲に「平均律クラヴィーア曲集」がありますが、この“平均律”のおかげで音楽で転調が可能になりました。

“平均律”とは音階の音程(ドとミ、ソとシ等の二つの音の間)を少し狂わせてオクターブを12等分した調律の事で、現在の各楽器の音階は特別でない限りこの方法で調律(チューニング)されています。

”平均律”の前は“純正率”と呼ぶ完全な音程を持った音階で、この調律で施された鍵盤楽器で和音等を響かせると完全無敵な完璧な美しい響きを得られる事が出来ます(この調律で演奏されたモーツアルトのピアノ曲集などのCDも発売されちます)。

しかし残念な事にこの方法で調律された楽器では曲の途中で転調、つまり他の調に移れない欠点があります。

その理由はこの“純正率”では…例えば「F/ファ」の半音高い「F#/ファのシャープ」と「G/ソ」の半音低い「Gb/ソのフラット」は音の高さが異なるのです。

ド～レ～ミ・ファ～ソ～ラ～シ・ドを見ると「ファが半音上がったF#」と「ソが半音下がったGb」はギターでもピアノでもその他の全ての楽器では同じです(ホントは音楽的には違う考えですが)。

ギターで④弦の3フレットが「F/ファ」で同じ弦の5フレットが「G/ソ」です。間の4フレットは「F」の半音高い「F#」、「G」から見れば半音低い「Gb」(ひつこいようですが、音楽的にはF#とGbは…音は同じですが…異なる考えです)は純正率では微妙に異なる音です。

まあ、そんな事で異なる調の曲を弾く前にはその都度調弦し直す、途中で転調すれば狂った音程に響くので出来ない…制約があったのですが、この問題を“平均律”の調律で解決しました。

ようするに各音程を少しづつ狂わせたチューニングをしています。

ま、普通の人間には狂っているのは気がつかない、絶対音感を持っている人でもその音に慣れて不快に思わない調律です。

で、「転調」とは曲の中でその曲の本来の主調から他の調へ変わる方法で、曲に変化がつくなどの効果があり、
現在の多くのJ-POPにも普通にとり入れられている方法ですが、バロックの後期頃からこの方法で書かれています。

しかしJ-POP等ではこの「転調」大流行のようです。
イントロから1番の歌詞に入ると半音上がった転調やKeyがFで途中にBm、F#、G#、Em、Dm、Esus4～などと4～6小節毎に転調する曲(ヒットしました)もあります。

僕がまだまだ音楽的な基本も知識も知らない時にEmのKeyで作った曲(この当時はもちろん音符の読書きなどは出来ませんでした)がBmで終わり、なんとかEmに戻そうとしたのを覚えています。

自分で作った曲なのに知らないうちに勝手に転調してしまったのですが、元のKeyに戻れなかったのです。
もちろん転調しても必ず元の調に戻らなければならないことはないのですけど。

と、今回は真面目(?)に書いてしまった…。

それにしても今日も寒いなぁ…

------------------------ 広岡祐一/2012年3月26日記 --------------------------

「教師としてのバッハ」

18歳の時からギター講師をしていますが、歴史的な多くの音楽家も作曲や演奏活動の他に王侯貴族を相手に音楽教師も兼ねていました。

僕の大好きなJ.S.Bachさんも教会付けオルガン奏者でもあり多くの生徒を持つ音楽教師としても秀でていました。

で、どのようにして教えていたのか興味を持ちます。
もちろん次元が違いますので僕には参考にはならないとは思いますがいろいろと調べてみると…。

主に教えていたのはオルガンの演奏法と作曲です。

まず演奏ではBachさんが考案した打鍵法を半年から1年ほどかけて基本を徹底的にマスターさせていました。

それまでオルガンを演奏するにあたってはとくに基本的なルーチンはなく各個人が自分にあった演奏方法で弾いていたようですが、Bachさんはどうのようなパッセージにも対応出来るように自ら両手指の運指を考えています。

生徒の中にはこの基本的な練習に忍耐力を失いそうになる(飽きる?)と、そういった生徒にはその練習課題を取り入れた小品を書いたようです。

もちろんその練習を兼ねた小品もひとつの作品として鑑賞に耐えれるレベルで後にBachさん自ら加筆や校正して作品として残っています。

この後はより複雑な大きな作品へと導いて行きます。

あと作曲も教えています。
当時の音楽家達が生徒に作曲を教える時は「対位法」や音程比の計算方法等の理論が中心だったようですが、彼は「通奏低音」…今で言う和音、コードのようなモノです…に基づく「四声部書法」から始め各声部を書かせたようです。

あと楽器を手にしないで頭の中で考えた旋律等を5線紙に書かす…、これがある年齢になっても出来ない生徒には音楽家以外の道を歩みなさいと諭したとも言われています。

いろいろな本を読むと「わたしの師匠はBachです」と嘘をついて教会等でオルガン職にありついた者もいたほどの優秀な音楽教師としての名声もBachさんにはあったようです。

少し音楽用語も書いたのでわかりにくい文章もあると思いますが、Bachさんのレッスンの方法は現在の各音楽教室のレッスン内容とはそれほどかけ離れてはいないと思います。

もちろんこの偉大な音楽家と比較なんて出来るわけではありませんが。


で、今日は2011年も終わろうとする12月の21日。
今年の日本はとにかく大変な年、試練の年になりました。来年2012年は本当に良い年になって欲しい。

と、いってもマヤ暦では…。

で、
久し振りの更新終了！

--------------広岡祐一(2011年12月21日記)-------------

『タブラチュア/Tabulatura』

ギターを弾く者にとってはお馴染みの「タブラチュア譜/タブ譜/TAB譜」は、一般的な楽譜の5線に対してギターの弦を表す横棒の6本線の各線上にフレット№の数字を記している便利な記譜方法です。

この記譜法が現れたのはおそらく西暦1600年までのルネサンス時代だと思われ、主にリュートの楽譜の記譜法として使われていました。

もちろん今でも見る一般的な音符を記した5線譜も当時にはすでに使われていたのですが、ギターのようにフレットが施され弦を張った楽器にはこちらが好まれていたようです。

と思っていたのですが、意外な事にオルガン曲の楽譜にもタブラチュア譜があったようです。
果たしてどのような書き方をしていたのかわかりませんが…。

フォーク世代の僕は1970年頃によく当時の音楽雑誌を買っていたのですが、今思うと載っていたフォーク・ソング等のギター譜は音符で書いてありTAB譜はまだ載っていなかったのを覚えています。

当然その頃の僕は音符は読めなかったのでコードだけが頼りで、まあ、それで充分に事が足りたのですが…。

70年代以降で今も残して持っている当時の音楽雑誌や曲集を見るとTAB譜が現在市販されている曲集と同じく併記され始めています。

て事で久し振りの更新！

-------------広岡祐一記/2011年12月3日-----------------------

日本にとって大変な2011年もそろそろ終わり…。
来年は少しでも良くなれば。

マヤ暦では2012年で終わっているので地球最後の年に来年はなるのか？

続々々「Bluesの誕生」

始まりは1619年にオランダ船によって20人の黒人達をアメリカ大陸の地に上陸

1661年、ヴァージニアの植民地が奴隷を公認

1808年、北部諸州の主張で奴隷貿易を禁止

そして1863年に奴隷解放制度を唱えたリンカーンの北軍が南北戦争に勝利し黒人達は自由の身となる。

もちろん表面上は、ですが。

4世代～5世代における244年の長い間を黒人達は奴隷として労働させられていた。

そして法律上は奴隷制度から開放され自由の身になった(もちろん見かけ上は、だが)彼らに、それまで広大な土地を持っていた白人の所有者は労働力を失い綿花等の栽培を続けられなくなり、小さく区切った土地をそれまで奴隷として働いていた黒人達に借地料を取って貸す事になる。

この時、それまで奴隷を監督していた白人達もやはり同じように土地を借りて自分で耕し借地料を払う仕事に変わり、この事は白人の多くの者も黒人達と同じ仕事をしなくては生きて行けなくなり、言い変えれば仕事の取り合いになり、この事によってそれまで白人は黒人を奴隷として区別していたのが強い「差別」意識がそれまでより大きくなっていく。

--------広岡祐一---2011年10月2日記-------

続「Bluesの誕生」

アメリカに黒人が存在する理由は、彼らの先祖が奴隷としてこの大陸に連れて来られたから、が唯一の理由です。

1619年にオランダ船によってこの大陸に最初の20人の黒人を連れて来る。
そして1661年にヴァージニアの植民地が黒人の奴隷化を公認した。

これ以後、この大陸に黒人達を奴隷として扱われるようになる。

この黒人を奴隷にした理由は、
南部植民地の広大な土地にタバコ、米、藍等の作物の生産に大量の労働力が必要で、とくにタバコは作れば作るほど稼げる商品であり、そのために金のかからない安易な労働力に黒人を奴隷として使った。

しかし1808年になると北部の諸州の「奴隷貿易禁止令」が実を結び黒人達を奴隷としてアフリカ大陸から連れて来るのは禁止はされた。

同じ頃、イギリスの産業革命の進歩で綿操機が発明されそのために大量の綿花の需要が増大し、アメリカ南部ではそれまでのタバコ畑に代わって綿花栽培が盛んになり国内需要のタバコと異なり比較にならない程の規模で大発展を遂げて行く事になる。

このためにアメリカの黒人奴隷制度は本格的に成立。


黒人から生まれたBLUESの背後にはこのような歴史的背景の理解もやはり大切だと思います。

---------広岡祐一(2011年9月28日記)------------------ 続く--------------

「Bluesの誕生」

僕のギター・スタイルはフィンガー・ピッキングでのソロ・ギターが演奏スタイルで、音楽スタイル、つまりジャンルではブリティッシュ・フォークを中心にブルース、ジャズ、ラグ・タイム、古楽等を弾いています。

もう40年以上をこのスタイルで演奏をしていますが、僕の弾く、または書いたどの曲も根っ子はブルースでジャズのようにテーマを持ったアドリブをプレイするのですが、このブルース・・・正確には“カントリー・ブルース”(アメリカの白人によるカントリー&ウエスタン･･･C&Wのカントリーと同じ“田舎”の意味です)がはっきりとした現在のような音楽形式として現れたのは恐らく第一次大戦よりたいして古いものではないようです。

ブルースの形式とブルースが持つ“感情”は150年以上も昔から黒人音楽の一部として存在していたと思われていますが、このブルースが持つ“感情”はスピリチュアル、ゴスペル等の宗教音楽の中やワーク・ソング(労働歌)、フォーク・ソングの中で成長し、一定の音楽形式が形成され現在の形(3コード、1コーラスが12小節等)になったようです。。

この「スピリチュアル」とは“来世に望みを託し、現在の苦しみから解放されるために天国へ行きたい”と願い、「ゴスペル」は現世において神を賛美し、信仰に生きる喜びを直接的に謳っている黒人霊歌で、もちろんキリスト教が背後にあります。

(と言う事で、この拙稚のblogで「BLUES」について歴史的な云々を書こうと思っておりますが、時々ネットで「ブルースが発展してジャズになりました」と書いてあるサイトを見かけるのですが、これは間違いでBLUESとJAZZは別々に生まれたモノで、JAZZはBLUESの影響をもっとも受け、それ以外の各音楽ジャンルにも影響を与えています)

---------広岡祐一---2011年9月23日記---------

PS:はたしてシリーズ化するのか？

「バッハの時代の音楽とアドリブ」

ジャズやブルース等の音楽の魅力はなんと言っても「アドリブ」・・・即興演奏にあると思います。

ライブ等の演奏中にその場で自由に演奏・・・。
もちろんアコースティック・ギターでのフィンガー・ピッキング・チューンにも多くありジョン・レンボーン、ディヴィ・グレアムその他の大勢のギタリストでその演奏が聴けます。

もちろんアドリブ・・・即興演奏は演奏中に自由に弾くものですが、デタラメな演奏ではなく、音楽的なルールの中で自由に･･･の意味ですが。

楽譜を目の前に置いても、その書いてある5線紙上の音符を参考にしながらその時の自由な発想で演奏する場合も多く、リズム等は演奏者に自由に任すようにもともと楽譜にはメモ程度にしか書いてある場合が多いです。

このアドリブと呼ぶ演奏スタイルは、15世紀のバッハの時代にすでにありました。

ただし今のブルースやジャズのように「1コーラス目にテーマが先に演奏され、その後にコード進行に沿ってそのスケールから自由に弾く」と言うスタイルではなくて「装飾音」が中心です。

「装飾音」とはこの字からわかるように「ある音を出す時に装飾して演奏する」事で、一言で簡単に説明すると「ド」がメロディの最後の音ならこの音の前に「シ」を入れる・・・等で、このように弾くと「シ→ド」と音が音階的に繋がりスムーズに自然に聴こえます。

もちろん実際にはこんな単純ではないし、装飾のスタイルも多くリズム等もシンコペーション等で変化をつける事も出来て、イタリアのスタイルでは8分音符が音階的に続く時には付点8分と16分音符や現在のシャッフルのような「イネルガ」と呼ぶリズムで演奏するのが常でした。

そして現在のクラシックの演奏者の中にもこのアドリブを取り入れている演奏家は古楽の演奏者に多く、中でもリュート奏者のようなソリストには必須です。

また、楽譜を見て演奏する方も15世紀あたりまでは「作曲家=演奏家」が本来の音楽家の姿、つまり自分で作曲した音楽をその本人が演奏するのが普通で、楽譜もメモ程度でも充分に演奏が出来たわけです。
それに演奏中にもこちらのメロディの方が良い、と思えばその時に自由に変えたりするので装飾音も自由に弾けたわけです。

それに比べてロマン派、古典派の時代から「音楽家」は「作曲家」と「演奏家」に分業してしまい、作曲家は自分の思いの通りに演奏して欲しいので装飾音等も楽譜に表すようになり演奏家もその通りに演奏するスタイルになって行きました。

もちろんバロック以後のモーツアルトやヴェートーベン等もアドリブの名手だったに違いありませんが。

と言う事で、
現在の「アドリブ/即興演奏」と古楽等のとは似て非なるスタイルです。


---------広岡祐一----2011年9月16日記-----------------